Die Freude, die ihrem Namen entwuchs
Summe sie, und ein ganzer Raum summt zurück. Sie hat auf zehntausend Hochzeiten gespielt und auf ebenso vielen Beerdigungen; sie lebt in Spieluhren und in Warteschleifen, in Film um Film. Sie ist vielleicht die vertrauteste Melodie der ganzen Aufnahme. Und fast niemand, der sie liebt, könnte dir sagen, was sie eigentlich ist.
Es ist der Schlusschoral einer Kirchenkantate. Jesus bleibet meine Freude — der zehnte Satz aus Bachs Herz und Mund und Tat und Leben, BWV 147, erstmals erklungen in Leipzig am 2. Juli 1723, geschrieben für das Fest Mariä Heimsuchung. Geistliche Musik, von einem Chor gesungen, um einen lutherischen Choral über den Glauben herum errichtet. Das ist der Ursprung, den die Welt beinahe vergessen hat.
Und hier das erste Merkwürdige: Die Melodie, die alle ‘Bach’ nennen, ist, streng genommen, gar nicht von Bach. Sie wurde rund achtzig Jahre früher von einem Geiger namens Johann Schop geschrieben. Bachs Geniestreich war der Satz — jene endlosen, strömenden Triolen, die den Choral vorantragen wie eine Strömung unter einem Boot. (Wieder ein Fluss, eine Woche nach Debussys. Dieses Album kehrt immer wieder zum bewegten Wasser zurück.) Bach erfand die Melodie nicht. Er machte sie unsterblich.
Hier ist der Text, den der Chor tatsächlich sang — Worte reiner Hingabe, die die meisten von uns nie gehört haben, während sie die Melodie liebten:
Und der Name? ‘Jesu, Joy of Man’s Desiring’ ist die Übersetzung von gar nichts. Das Deutsche sagt schlicht Jesus bleibet meine Freude. Der englische Titel, den heute die ganze Welt verwendet, wurde 1926 von der Pianistin Myra Hess geprägt, für eine Klavierbearbeitung — eine schöne Wendung, die sie einer geliehenen Melodie inmitten einer geistlichen Kantate anheftete. So reist das Stück, das die meisten kennen, unter einem geliehenen Namen, spielt eine geliehene Melodie und trägt eine Bedeutung, an die sich fast niemand erinnert.
Und genau das — genau das — ist eine Art von Unsterblichkeit, die die meiste Musik nie erreicht. Sie ist ihrem Komponisten entwachsen, ihrem Titel und sogar ihrem Gegenstand. Sie muss nicht mehr verstanden werden, um geliebt zu werden. Sie ist schlicht zur Freude selbst geworden: ungebunden, universell, summend im Hintergrund des kollektiven Gedächtnisses wie etwas, mit dessen Wissen wir alle irgendwie schon geboren wurden.
Auf Immortal geht sie in ein weiteres Paar Hände über. In der Bearbeitung von David und John Haywood — für Violine, Klavier, Gitarre und Orchester — übernimmt die Violine die Linie des Chores, während die Triolen darunter weiterströmen. Schop schrieb sie; Bach umhüllte sie; Hess gab ihr einen neuen Namen; Garrett verleiht ihr eine neue Stimme. So sieht Unsterblichkeit aus der Nähe aus: keine still stehende Statue, sondern ein Staffellauf — jede Hand hält die Melodie gerade lange genug warm, um sie weiterzugeben.
Und wenn du mitgelesen hast, wirst du die Form davon spüren: Der Domino-Effekt ist zurück. In Julien Quentins Interview sahen wir ihn durch Menschen wandern — ein Musiker reicht uns zum nächsten weiter, Lehrer zu Schüler, ein Jahrhundert zum nächsten. Hier wandert er durch eine einzige Melodie: Schop stößt sie an, Bach fängt sie auf, Hess benennt sie, Garrett gibt sie weiter. «Musik ist nie vollendet,» wie Julien uns sagte. «Wir sind nur vorübergehende Hüter.»
«Die Kunst, und vor allem die Musik, überdauert die Zeit,» sagt David über das Album. Manche Stücke erringen das auf die harte Tour — über drei Jahrhunderte und ein Dutzend Hände hinweg. War das erste Stück ein schöner Abend, der wusste, dass er enden würde, so ist das zweite der Morgen danach: eine Freude, die sich schlicht weigerte, es zu tun.
Immortal — David Garrett für Deutsche Grammophon — erscheint am 9. Oktober 2026: 20 Stücke in der Standardausgabe, 25 in der Deluxe-Edition, digital, auf CD und Vinyl, mit Vorbestellungen ab sofort bei Deutsche Grammophon. Ein Stück nach dem anderen zählen wir das Album ein.