Die kleinen Noten vibrieren lassen

Als wir beschlossen haben, unseren Horizont zu erweitern, aus der Nische auszubrechen und zu erkunden, hat sich eine ganze Welt geöffnet. Neue Perspektiven, neue Künstlerinnen und Künstler, neue Interessen — lauter neue Blickwinkel, aus denen wir auf unsere eigene Art auf Musik schauen können.

Wenn du uns auf dieser Reise gefolgt bist, hast du nicht nur Künstler kennengelernt. Du hast etwas über den Geigenbau gelernt und einen kurzen Blick darauf geworfen, wie Instrumente von Hand zu Hand weitergehen. Und es kommt noch viel mehr: Du wirst alles über den Klang erfahren, über Bogen, über das Komponieren, über die gründliche Arbeit, die nötig ist, um mit einem Orchester auf eine Bühne zu gehen.

Und jetzt erfährst du etwas über das Dirigieren.

Unsere Freunde von TYB Arts haben uns auf einen jungen chilenischen Dirigenten aufmerksam gemacht: Luis Toro Araya. Wir haben ihn ins Herz geschlossen — und es stellt sich heraus, dass er sehr viel über Orchester zu sagen hat, und über Streicher.

Das ist unser Gespräch mit ihm.

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An einem Mittwochabend im Juni betrat der Chefdirigent des Orquesta Sinfónica de la Universidad de Concepción die Bühne seines eigenen Theaters — mit einer Geige in der Hand.

Die Ankündigung des Hauses nannte es la faceta oculta del director, die verborgene Seite des Dirigenten. Auf dem Programm stand Brahms und sonst nichts: das Scherzo in c-Moll, dann zwei der Sonaten, mit dem brasilianischen Pianisten Richard Octaviano Kogima. Das Scherzo ist der Satz, den der zwanzigjährige Brahms 1853 als seinen Beitrag zu einer Sonate für Joseph Joachim schrieb, gebaut auf Joachims Motto: frei aber einsam.

Wir haben ihn gefragt, warum ausgerechnet das — von allem, was er hätte spielen können.

„Ich fühle mich der Musik von Brahms zutiefst verbunden. Als ich zum ersten Mal ein Stück von Brahms spielte, war ich dreizehn und habe überhaupt nichts verstanden; es ergab für mich wenig Sinn. Über die Jahre habe ich gelernt, seine Musik zu lieben, und besonders als Dirigent habe ich eine sehr genaue Vorstellung davon entwickelt, wie sie klingen soll — die Farben, die Wärme, die Schwere. Es war eine Herausforderung und eine schöne Erfahrung, das nach so vielen Jahren auf der Geige zu versuchen."

Verborgen vor wem, haben wir gefragt. Vor dem Publikum, vor dem Orchester oder vor ihm selbst?

„Das ist eine wunderbare Frage. Um ganz ehrlich zu sein: Es gibt Seiten meiner eigenen Persönlichkeit, die ich bis heute nicht ganz verstehe. Die Geige war einmal meine größte Leidenschaft, und doch rühre ich sie mit der Zeit kaum noch an. Vielleicht steht sie für eine jüngere Version meiner selbst — jemanden, der viel weniger Antworten hatte und nicht sehr glücklich war. Heute sehe ich die Dinge anders."

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Geboren wurde er 1995 in San Vicente de Tagua Tagua, einer Stadt im Cachapoal-Tal südlich von Santiago. Er studierte Violine an der Universidad de Chile und an der Escuela Moderna de Música bei Alberto Dourthé, und mit achtzehn kam er ins Orquesta Sinfónica Nacional de Chile. Drei Jahre blieb er dort. Im zweiten begann er, Dirigieren zu studieren.

Das heißt: Zwei Spielzeiten lang lernte er die Geste tagsüber und saß abends darunter.

„Ich glaube, im Orchester zu spielen war meine wichtigste Lernerfahrung. Man kann sehr viel über die Kunst des Dirigierens und über Musik lernen — ja, Dirigieren ist eine Kunst für sich —, aber nichts lässt sich damit vergleichen, auf dem Stuhl eines Orchestermusikers zu sitzen. Man versteht die innere Energie der Gruppe von Grund auf und merkt, was ein Dirigent wirklich geben muss — und was er lieber lassen sollte. Sensibilität, Beharrlichkeit, Timing: Das sind wesentliche Elemente von Führung, und das Spielen in diesem Orchester hat mir dafür ein intuitives Gefühl gegeben. Ich liebe die Sinfónica Nacional in Chile sehr. Jedes Mal, wenn ich zu ihnen zurückkomme, fühlt es sich an wie nach Hause kommen."

Und was ihm fehlt:

„Ehrlich gesagt frage ich mich jeden Tag, ob ich die richtige Entscheidung getroffen habe. Es gab eine Zeit, in der es mir tiefe Freude bereitet hat, Teil dieses herrlichen Chaos zu sein. Der Beruf des Dirigenten ist ein einsamer Beruf, mit viel Raum für Selbstzweifel, jedenfalls bei mir. Die Maßstäbe sind immer sehr hoch, und diese Besessenheit, auf höchstem Niveau abzuliefern, kann sehr zehrend werden."

Er ist einunddreißig. Seit März 2025 ist er Chefdirigent und künstlerischer Leiter in Concepción, einem 1952 gegründeten Orchester, fünfhundert Kilometer von der Hauptstadt entfernt. Davor war er zwei Jahre Assistenzdirigent des Orquesta Nacional de España, 2023 Dudamel Fellow beim Los Angeles Philharmonic, 2021 Finalist beim Karajan-Preis und Preisträger in Rotterdam und Lüttich. Im Oktober 2025 gewann er in Köln den zweiten Preis beim German Conducting Award, vor dem Gürzenich-Orchester und dem WDR Sinfonieorchester.

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Fragt man ihn, was sein Lehrer ihm mitgegeben hat, antwortet er in vier Worten.

„Es gibt einen Rat, den ich immer bei mir trage und der meine Klangvorstellung von Grund auf geprägt hat: ‚Lasst die kleinen Noten vibrieren!‘ Als Streicher vergessen wir oft, dass Vibrato auch für Achtel und Sechzehntel gilt. Es bewusst einzusetzen — zusammen mit einem richtigen Legato — gibt dem Klang eine völlig neue Dimension und schafft endlose musikalische Linien. Er war ein wunderbarer Mentor und für mich wie ein Vater. Ich habe so viel von ihm gelernt, vor allem durch die grenzenlose Leidenschaft, die er in seine Arbeit gelegt hat — und legt."

„Lasst die kleinen Noten vibrieren!" Als Streicher vergessen wir oft, dass Vibrato auch für Achtel und Sechzehntel gilt.

Es ist eine kleine Anweisung über kleine Dinge, und alles andere, was er über Klang sagt, folgt am Ende daraus.

„Ich glaube, Klang beginnt von innen. Nenn es Herz, inneres Ohr, Seele, Kopf oder Verstand — das ist egal. Zuerst muss man eine genaue Vorstellung von dem Klang haben, den man erzeugen will. Natürlich gibt es technische Mittel dafür: wie viel Bogendruck, wie viel Bogenhaar, wie viel Armgewicht. Die Möglichkeiten sind endlos. Meine eigene Suche gilt der Schönheit. Laute Dynamik oder komplexe Passagen, die wie ein Uhrwerk ablaufen, interessieren mich nicht besonders. Für mich liegt das Wesen der Musik rein im Klang; das ist es, was über Worte hinausgeht und die Seele unmittelbar berührt."

In der Probe macht ihn das ungewöhnlich zurückhaltend. Striche zum Beispiel — die eine Stelle, an der man von einem Dirigenten, der selbst einen Bogen geführt hat, feste Meinungen erwarten würde.

„Ich bringe selten eigene Striche mit; vielleicht habe ich das einmal für eine bestimmte Beethoven-Sinfonie getan. Ich finde, Striche gehören zur DNA eines Orchesters, und das sollte man respektieren. Schau zuerst, was sie anzubieten haben! Danach kann man entscheiden. Ich habe keine Angst, eine Änderung zu verlangen, wenn ich etwas Bestimmtes erreichen will, aber das gehört alles zur Probenarbeit."

Wir haben ihn gefragt, was er dem letzten Pult der zweiten Geigen sagt — er, der selbst an einem Pult saß.

„Ich glaube nicht, dass ich ihnen etwas Besonderes sage. Ich habe eher gelernt, wie wichtig es ist, dass sich alle in den Prozess einbezogen fühlen — von der Projektion der Stimme und dem direkten Blickkontakt bis dahin, wie aufmerksam man jede Person im Raum wahrnimmt. Am Ende ist jeder Einzelne aktiv am Musizieren beteiligt."

Nach zwei Spielzeiten hört er den Unterschied in der Gruppe, die er übernommen hat.

„Sie waren immer sehr flexibel, was bei einem Orchester, das wenig Oper spielt, nicht selbstverständlich ist. Die Streicher klangen eher brillant, mit viel Charakter im Ton. Jetzt gehen wir, glaube ich, zu diesem warmen, runden, tiefen Klang über, den ich immer geliebt habe. Ich würde sagen, sie können heute einen wunderbaren Brahms- oder Bruckner-Klang erzeugen, und das gibt mir eine immense Befriedigung. Ich bin gespannt, wie sich dieser Klang in den kommenden Jahren weiterentwickelt."

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Er hat an anderer Stelle gesagt, das Schlimmste, was einem Musiker passieren kann, sei die Eile — in einem so langen Beruf. Von Natur aus, erzählt er uns, ist er ein unglaublich ungeduldiger Mensch und muss sich immer wieder daran erinnern, dass das Leben sein eigenes Tempo hat. „Am Ende ist es der Musik völlig gleichgültig, ob jemand in Eile ist."

Wo die Geduld sichtbar wird, ist in dem, was er zu dirigieren bereit ist.

„Ich dirigiere nur Werke, zu denen ich das Gefühl habe, genug sagen zu können — etwas wirklich Substanzielles, für die Musiker wie für die Hörer. Sonst würde ich jemandem die Zeit stehlen, und das Leben ist zu kurz dafür."

Also: noch kein Bartók und noch kein Ravel, „weil ich noch keine tiefe Verbindung gefunden habe". Und dann die, bei denen es keine Frage der Zeit ist. „Komponisten, deren Musik mir schlicht nicht gefällt, etwa Berlioz, Nielsen oder Mendelssohn — mit der offensichtlichen Ausnahme seines Violinkonzerts!"

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Einen Komponisten würde er überall dirigieren — und hat es auch überall getan.

Enrique Soro wurde 1884 in Chile geboren, gewann am Mailänder Konservatorium den Großen Kompositionspreis, tourte durch Italien und Frankreich, schloss einen fünfzigjährigen Vertrag mit Schirmer und kannte Casals, Puccini und Ravel. Dann ließen ihn die europäischen Programme so vollständig fallen, dass Chile selbst ihn wiederentdecken musste. Toro Araya holt ihn seit vier Jahren still zurück: Sinfonia Rotterdam 2022, das Orchestre de Picardie in Amiens und Soissons im Frühjahr 2025, das National Symphony Orchestra of Ireland in Dublin im Juli desselben Jahres.

Welchen Soro würde er einem europäischen Publikum zuerst vorlegen?

„Alle! Es gibt kein einziges Stück von Soro, das nicht mit erlesener Schönheit geformt wäre. Er war ein wunderbarer Komponist, der die europäische Musik nicht zu scheuen braucht. Er hat einfach unter der geografischen Isolation unseres Landes gelitten. Heute ist alles verbunden, aber damals muss es als Komponist ziemlich schwer gewesen sein, in Chile zu leben und trotzdem in den Konzertsälen der Welt präsent sein zu wollen. Seine Musiksprache ist einzigartig, und ich würde sie jedem empfehlen. Besonders liebe ich seine Sinfonía Romántica — es war das erste Werk von Soro, das ich gehört habe, und ich war von den ersten Takten an verliebt."

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Im November dirigiert er Bruch und Respighi in Concepción, mit der spanischen Geigerin Raquel Areal Martínez bei ihrem chilenischen Debut.

Er ist großzügig gegenüber Solisten, auf eine Weise, die ihn verrät. Wenn er ein Konzert dirigiert, das er selbst studiert oder gespielt hat, sagt er, kommt er mit einer sehr klaren Vorstellung davon, wie es klingen soll — und dann: „weil ich weiß, wie schwer das Instrument ist, versuche ich immer, sehr unterstützend zu sein, und ich schätze die Gelegenheit, mit großen Geigerinnen und Geigern zu arbeiten, wirklich sehr. Sie sind eindeutig viel besser, als ich je war. Sonst würde ich wahrscheinlich noch spielen."

Also haben wir gefragt, wo die Geige jetzt lebt. Im Kasten oder auf einem Ständer.

„Ich bin ehrlich: Sie ist im Kasten. Ich habe in letzter Zeit nicht viel geübt, aber ich glaube, sie fehlt mir langsam, also wer weiß? Ich bin nicht sicher, ob ich bald öffentlich spielen werde, aber ich würde auf jeden Fall gern wieder Streichquartett spielen, in naher Zukunft."

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Wir stellen allen dieselbe letzte Frage: Mit wem sollten wir als Nächstes sprechen?

Er hat ohne Zögern geantwortet — Valerie Steenken, Konzertmeisterin des Orquesta Nacional de España, wo er zwei Jahre Assistenzdirigent war. Er hat uns sogar die Frage mitgeschickt, die er ihr stellen würde.

So reicht uns der Dirigent zurück an eine Geigerin. Nehmen wir gern.

Danke, Luis. Im November hören wir zu — und falls dieses Streichquartett je zustande kommt, hätten wir gern einen Platz.

Unser herzlichster Dank an Francisca und an TYB Arts für die Vermittlung und für die Sorgfalt, die sie darauf verwendet haben. Und danke dir, Luis, für zwölf vollständig ausgeschriebene Antworten, in einer Sprache, die nicht deine erste ist, zwischen zwei Kontinenten und einer Konzertsaison.